I- Disposer des savoirs associés nécessaires à la transmission de son genre chorégraphique A) Mettre en jeu des éléments fondamentaux et spécifiques de son genre chorégraphique 1. Connaître et interroger les éléments fondamentaux de la danse 2. Connaître la culture chorégraphique active, patrimoniale et actuelle 3. Explorer les ressources documentaires de son genre chorégraphique (iconographie, films, écrits, témoignages, partitions, etc.) B) Mettre en jeu les connaissances anatomiques et physiologiques du mouvement Mettre en relation sa pratique avec des savoirs en anatomie-physiologie, analyses qualitatives et fonctionnelles du mouvement C) Mettre en jeu des connaissances musicales et des savoirs en matière de rythme corporel 1. Avoir une approche sensible et chorégraphique des répertoires musicaux et chorégraphiques à travers des époques et des styles 2. Développer la relation entre le geste et la musique 3. Approfondir sa connaissance de la musique 4. Diversifier ses références et sources musicales II- Élaborer un projet pédagogique A) Prendre en compte la réalité des élèves 1. Analyser les comportements et les besoins en fonction des personnes et de leur niveau 2. Utiliser et adapter les outils et processus pédagogiques en fonction des âges et des capacités des élèves, des lieux d’enseignement, des plages horaires et des contraintes calendaires, de la durée et de la fréquence des séances 3. Construire une progression des séances et utiliser des dispositifs d’évaluation B) Prendre en compte les caractéristiques de la matière enseignée 1. Mobiliser les processus d’apprentissage du genre enseigné en cohérence avec ses intentions pédagogiques 2. Anticiper la dimension des risques corporels 3. Définir des objectifs d’acquisition et des rythmes de progression adaptés aux spécificités de son genre et à l’étalement du parcours d’apprentissage dans le temps 4. Imaginer de possibles interactions avec d’autres genres chorégraphiques ou d’autres domaines artistiques III- Mettre en œuvre son projet pédagogique A) Construire et animer une situation d’apprentissage collectif 1. Développer une dynamique de groupe qui intègre et reconnaît chaque individu au sein du collectif 2. Permettre aux élèves d’être acteurs de leurs apprentissages 3. Amener l’élève à participer activement à une construction sensible de son corps et de sa conscience corporelle B) Mener des séquences d’apprentissage dans leurs dimensions technique et artistique 1. Structurer les séances d’apprentissage, les conduire et les adapter en fonction de l’âge, du niveau des élèves et des objectifs de la séance et aux conditions dans lesquelles elle se déroule 2. Diversifier ses propositions pour offrir aux élèves des chemins d’acquisition variés 3. Formuler les observations et corrections pour permettre à l’élève la prise de conscience nécessaire à sa progression et lui permettre de relier maîtrise technique et expression artistique C) Mobiliser les savoirs associés 1. Utiliser, transmettre le vocabulaire technique et artistique de son genre chorégraphique 2. Enrichir son enseignement de références à la culture et au patrimoine chorégraphiques 3. Utiliser ses connaissances en anatomie-physiologie, en analyse fonctionnelle du corps dans le mouvement dansé, pour accompagner l’élève vers une acquisition des coordinations techniques en préservant son intégrité corporelle et psychique 4. Repérer et prévenir les attitudes pathogènes dans les apprentissages 5. Développer la relation musique-danse, notamment au sein du triangle professeur-musicien-élève 6. S’appuyer sur sa culture musicale et, le cas échéant, sur celle du musicien accompagnateur pour permettre à l’élève de développer la musicalité de sa danse (la dynamique de ses appuis, son phrasé rythmique et vocal aussi bien que son expression sensible) D) Évaluer 1. Évaluer les apprentissages des élèves en fonction des objectifs : acquisitions, développement de l’autonomie, expression artistique, etc. 2. Mettre en œuvre des dispositifs d’évaluation continue des élèves (technique, créativité, musicalité, improvisation, composition, etc.) permettant échanges, stimulations, auto-évaluations participant de la formation E) S’engager dans des pratiques élargies 1. Saisir les opportunités artistiques pour organiser des rencontres entre élèves et artistes ou impliquer ces derniers dans un temps de transmission 2. Nourrir les apprentissages des élèves en inscrivant dans leur programme des sorties, des spectacles, des répétitions publiques, des rencontres, des séminaires, des stages, des conférences, des documentaires, des lectures, etc. Les capacités attestées sont détaillées dans le référentiel de compétences et de certification professionnelles publié au Bulletin officiel du ministère de la culture et de la communication, accessible par le lien source ci-dessous : http://www.culturecommunication.gouv.fr/Ressources/Bulletin-officiel/Bulletin-officiel-n-248-juillet-2015